以光为界，10 位灯光改造空间的艺术家

光已经在艺术中存在了几个世纪。我们甚至无法设想没有光的巴洛克或哥特艺术。然而在 20 世纪，艺术家们开始探索光的特质，并将其转化为物质化艺术的手法。雕塑、沉浸式装置，以及通过光及其颜色和强度塑造环境的方法通过与建筑建立独特的联系，带来了全新的空间感知。

艺术家们通过环境中的光照表达超越美学和空间的问题，聚焦政治、身份和记忆相关的主题。来自不同行业的艺术家采用他们各自独特的方式挪用空间及其潜力。当欣赏这类作品时，我们可以受到启发去思考灯光特质的融入如何影响建筑本身的形象。因此，我们在这里特别介绍 10 位艺术家。尽管他们使用的方法各异，但都将光作为他们作品的主要创作手段，从而展现出挪用和干预空间的新方式。

克鲁兹·迪兹作为以光为媒介的先驱之一，因对动态艺术和欧普艺术运动的贡献而为人熟知。他注重于“色彩诱导”的概念里光对创造色彩的重要性。Cromosaturations 系列是他众多著名作品之一。这一系列由充满彩色灯光的房间组成的沉浸式装置让观众可以将色彩作为物理和感官现象，而不仅仅是视觉现象来体验。

弗莱文的作品主要以装置中的荧光灯而闻名。他着重于光的物理和感知特性。他作品中的布置通常呈网格或线性形式安装，且常与建筑环境对话，探索通过光影操纵空间来创造明亮饱和的色彩。

埃弗斯利的作品通常被描述为雕塑、光学和科学的融合。由树脂和其他材料融合而成的能够折射光线的光滑表面呈现出兼备色彩和视觉效果的形态。每次互动都会因光线角度和观赏者位置的变化产生新的图像，物体的静态性质从而被打破。他说他创作的是为了揭示光的隐藏特性及其与不同材料的互动而设计的“光学仪器”。

詹姆斯·特瑞尔是将光用作创作材料的最重要的艺术家之一。特瑞尔擅长利用几何形状和精心校对过的灯光。他通过操纵光、构建框架以及玩味与不同建筑结构相关的色彩来创造沉浸式的环境。

安东尼·麦克科尔创作的沉浸式装置模糊了雕塑、电影和表演之间的界限。他的作品用投射的光线制造雕塑般的形体和交互式的环境，邀请人们与之互动。

珍妮·霍尔泽以她艺术作品中极具影响力的话语和对光线的操控而闻名。她通过创作大型装置作品来提出身份、性别、和政治暴力的问题。她的作品不总是在博物馆中展出。当出现在公共空间中时，它们能将信息传递给所有路过的人并改变周边环境，从而达到新的影响范围。投影或 LED 灯带的使用是她的标志。她利用这些元素来阐述作品安装之处特定的背景。

通过使用镜子和反光膜，金守子创造了一种延伸的，自然的空间感。她用产生的颜色改造环境，突出室内和室外的连续性，暗示跨过界限后房间另一边存在的新的可能性。

Agha的作品常常用几何图案创造出视觉上令人惊叹且概念丰富的装置，探索身份、文化和性别主题。他的作品：Intersections，是一个由激光切割的木板制成的巨型立方体，从内部悬挂和照明，因投在所有面上的阴影产生的对比而更具震撼力。这是一个艺术和建筑相组合提出关于文化边界问题的案例，既分裂又统一。