随着专业人士和学生们不断挑战公认的建筑表现方式，并用奇思妙想和其他视觉叙事特征取代正在衰落的超现实主义，“后数字”绘画这一日益成熟的领域目前处于适度探讨、欣赏甚至批判的最前沿。这一插图新潮流的核心是包含和借用著名现代艺术作品中的特定肖像和人物，特别是来自大卫·霍克尼（David Hockney）、爱德华·霍普（Edward Hopper）和亨利·卢梭（Henri Rousseau）的作品，这些作品无疑是他们个人技巧和风格的最好体现。
虽然所呈现的形式大为不同，这些作品的复兴却表现出对原作者的欣赏和参考。然而正如 KoozA/rch 网站建立者 Federica Sofia Zambeletti 所言，这种做法已经带来了一些风险，他警告道，在不考虑其文化起源的情况下，反复使用这些图像将导致标准化和滥用。不过，当带着某个具体的意图时，这些图像有可能创造出超越纯粹审美意义的对于项目的丰富的视觉理解。所以，为了帮助你更好地理解你所使用的参考材料，并且打动所有被你的拼贴画吸引的人，这里有一份罗列了一些最流行的人物和图案的纲要，它们成功地从艺术世界转型，来到了建筑渲染的领域。
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大卫·霍克尼, 克拉克夫妇和佩西（1970-71）
具有冲击力的颜色和醒目的肖像？很有可能你看到的是大卫·霍克尼的作品。这位英国画家和摄影师出生于1937年，一直以来被认为是20世纪最具影响力的英国艺术家之一，也是60年代波普艺术运动的关键人物。
霍克尼以他的双人肖像闻名，这是他在1968年开始创作的系列，在以真实的朋友为原型之前描绘的是虚构的夫妇。在这幅作品中，主角是 Ossie Clark 和 Celia Birtwell ——来自英国北部颇受赞誉的两位时装设计师，他们在上世纪60年代遇到了霍克尼，并请求他在他们1969年的婚礼上作为伴郎。尽管画中人物独特的姿势和面部表情常被借鉴，这只雕像般的名叫佩西的猫也频频出现在众多室内图中。不幸的是，克拉克夫妇的婚姻并没有维持下去。
大卫·霍克尼，我的父母（1977）
另一幅双人肖像则描绘了或许更为成功的婚姻——霍克尼的父母劳拉和肯尼斯，于父亲去世前一年完成。这个时期，艺术家的作品转向了对人类行为更深入的研究，着重体现在他母亲的平静和他父亲读着 Aaron Scharf 的“艺术与摄影”时的坐立不安。如同佩西一样，二者之间的郁金香花瓶也跟随这对夫妇进入后数字绘画世界。这使人不由地猜测，两人会对他们在建筑领域新获得的名声做何反应。
大卫·霍克尼，比佛利山庄的主妇（1966-67）
上世纪60年代中期，在他游览并最终搬至加利福尼亚州后，洛杉矶的家庭生活成为了霍克尼作品中的焦点，漫长的下午和游泳池的折射光便是最典型的标志。在这幅12英尺（约3.7米）的画作中，美国慈善家和摄影师贝蒂·弗里曼（Betty Freeman）被描绘在她的比佛利山（Beverly Hills）的家中（后来也出现在了其他艺术语境中），伴随着标志性的单棵棕榈树和羚羊半身像，体现了她住所的风格，奠定了富裕的美国人的生活基调。
杰克·维特里亚诺，歌唱的管家（1992）
苏格兰画家杰克·维特里亚诺（James Vettriano）的神秘现实主义经常与著名美国现实主义画家爱德华·霍普（Edward Hopper）（也是后数字世界的常客）的风格进行比较。他出生于1951年，在16岁时离开学校做了矿工，之后成为了一名自学画家。维特里亚诺的《歌唱的管家》在2004年以创纪录的价格出售后，成为了英国最畅销的版画。
这幅画的构思源于维特里亚诺收到的一条评价注意到了他在描绘沙滩和海边环境中的技巧。画面中一对夫妇在不列颠群岛某地跳舞，而他们的女仆和管家则站在附近保护他们免受恶劣天气的影响。尽管非常受公众欢迎，但由于其不一致的完成方式和奇怪的人物细节，该作品受到了批评家的强烈反对，而舞者的姿势则直接来自《插画师人物参考手册（Illustrator’s Figure Reference Manual）》——这是维特里亚诺接受并捍卫的事实。这幅画被广泛地认为是英国版的格兰特·伍德的《美国式哥特》（Grant Wood’s American Gothic）。
杰克·维特里亚诺，癫狂（1992）
考虑到许多人物为本来静止的环境增添了动态，早期作品中的服装和风格渗透到了维特里亚诺的大部分作品以及建筑插图中。这幅画还包括一再出现的海滩和雨伞，而跳舞的夫妇被两名女子和一名撑伞的绅士所取代，为画面中存在的叙事性奠定了基础，但这故事显然是开放式的，使其成为了拼贴画里广受欢迎的对象。
杰克·维特里亚诺，城外人（未知年份）
少了前两幅画中尖锐的轮廓，这幅画正如题目所暗示的，描绘了三位旅客参观一个未知的海边目的地。维特里亚诺在远处添置了一个码头或是亭子，为人物增添了潜在的游客特征。有意思的是，在建筑表达中，对这位艺术家的作品的借鉴似乎只局限于他平静的、田园风格的海边景致，而非他的另一个常见主题：黑暗色情。
亨利·卢梭，梦（1910）
生机勃勃、茂密且充满异国情调的植物似乎是法国后印象派画家亨利·卢梭在艺术和后数字世界中最为人所知的主题，尽管他一生因为童稚般的艺术风格受尽嘲笑。出生于1844年的卢梭也是一位自学画家，他在原始主义运动中的成就对包括毕加索在内的前卫艺术家后辈都具有极大的影响。
这幅画是卢梭25幅受丛林启发的作品中最大的也是最后的一幅，它是对卢梭的波兰情人 Yadwigha 的一种超现实描绘，画中的她斜躺在被异国情调的植物和许多动物包围的沙发上。卢梭在这幅画所配的一首诗中强调了由长笛声引起的梦幻般的情境，以及家庭生活与野性之间的模糊界限。《梦》经常被认为是他最伟大的杰作之一，它终结了人们对卢梭的作品的嘲笑。
亨利·卢梭，诱蛇者（1907）
这是卢梭对繁密富饶的丛林的描绘另一个著名例子，它的灵感不是来源于旅行，而是卢梭在巴黎植物园和自然历史博物馆的参观经历。参观这些地方时的超现实体验被他通过能营造野性的环境的精美笔触传递到画面上；在这里，这种氛围又一次被诱蛇者的乐器所激发，又或是伊甸园中诱惑蛇的夏娃。与维特里亚诺由动作驱动的场景不同，丛林是静止的。
亨利·卢梭，异国风景（1908）
缺乏人类存在将这幅作品于与卢梭的其他作品区分开来，它反而完全着重于描绘白天（而非夜晚）充满生机的植物和隐藏在丛林中的动物。一只白色和蓝色的鸟立刻吸引了目光，它被猴子和橙子围绕着。卢梭在此借鉴了他在巴黎能够接触到的野生动物博览会和出版物，他在整个职业生涯中从未离开过法国。卢梭所画的许多植物虽然不完全相同，但风格都非常相似，并且在后数字化的景观表现图中被明显地或巧妙地利用。
归根结底，参考和借鉴历史、文化和社会的不仅能整合到对建筑的描绘中，而且能整合到建筑本身的创造中。在涉及到前者时，意识到我们所使用的象征物和肖像的相关含义和暗示变得越来越重要，从而创造出有思想深度的故事和丰富的空间想法，不仅在美学角度受人喜爱，在概念上也细致入微，让后数字时代的绘画能够不断激发从旧作品中所汲取的相关内容，创造出独有的新形象。
更多信息详见Tate Modern和MoMA。
翻译：俞纯昕
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